☆ Text written by art critic and writter Hélène Giannecchini in 2026
“Any work with a new form operates as a war machine, because its design and its goal is to pulverize the old forms and formal conventions.”
Monique Wittig, “The Trojan Horse”,
The Straight Mind, 1992.
A herd of small horses breaks free and invades the gallery. A colourful circus tent houses a map with strange meanders. Portraits of flower-children, female knights and monstrous ladies line the walls. What is first striking about Héloïse Farago’s work is its apparent ingenuousness, which points us towards the gestures of childhood: playing with figurines, absent-mindedly doodling on tables, making out human forms in landscapes and things, imagining melancholic monsters and amorous warriors.
Her approach draws on the worlds of the carnival and the circus, two forms whose capacity for subversion is too often overlooked, and which have elevated outrageousness and kitsch into a highly effective kind of power. In the carnivalesque tradition, the world is provisionally turned upside-down: the grotesque dethrones the sublime, while hierarchies dissolve amid fits of laughter and excess. The circus extends this logic by staging bodies and creatures that escape the usual order of things. It is this heritage that Héloïse Farago takes up with her work, which is populated forms that we would do well to not take at face value. Our joy as viewers is quickly coloured by something else, as we begin question just what it is that we are looking at. What are these horses fleeing from? Who are the women in these drawings? Where are the men of these legends?
Influenced by outsider art and home economics, Héloïse Farago is interested in forms that are looked down upon and gestures that are relegated to the margins. Against the grain of an art historical canon which foregrounds major figures to establish a linear narrative and which has constructed its legitimacy on the systematic exclusion of certain practices, she rehabilitates so-called “minor” gestures, investigates the production of enlightened amateurs and deconstructs hierarchies. She draws, paints using enamel, models and sews; she uses pearls and ribbons, and adopts lace doilies in lieu of canvases. This choice of materials is a way of taking up position in the artistic field and of shifting the frontiers of what is considered worthy of exhibition and contemplation.
Each of her pieces appears as a kind of saynète or skit that we are tasked with reconstituting. The narrativity is always elliptical; it does not offer a full story but rather remainders, clues, margins. It is up to us to invent what’s missing, to make our own these characters who weave together an offbeat tale. Her work acts as a Trojan Horse of the kind described by Monique Wittig: “even if slowly, it will eventually act like a mine” that “will sap and blast out the ground where it was planted.” And indeed, it takes us time to understand that there is something else at work in these drawings and ceramics, and that these seemingly inoffensive forms conceal a critical charge. Héloïse Farago does not denounce things, she shifts them. She makes hierarchies ridiculous, dissolves them in colour, tenderness and strangeness. And it is perhaps therein that her most singular power resides: in her understanding that the best place to hide a weapon is perhaps inside a toy.
— Hélène Giannecchini
☆ Texte écrit par la critique d'art et autrice Hélène Giannecchini pour l'exposition personnelle Rififi à la Galerie Florence Loewy, mai-juin 2026
« Toute œuvre ayant une nouvelle forme fonctionne comme une machine de guerre, car son intention et son but sont de démolir les vieilles formes et les règles conventionnelles. »
Monique Wittig, « Le Cheval de Troie »,
La Pensée straight, 2001.
Un troupeau de petits chevaux s’échappent pour envahir la galerie, un barnum coloré abrite une carte aux étranges méandres et des portraits d’enfants-fleurs, de chevalières et de dames-monstresses se déploient sur les murs. Le travail d’Héloïse Farago frappe d’abord par son apparente ingénuité et nous rapproche des gestes de l’enfance : jouer avec des figurines, dessiner sur les tables quand on s’ennuie, voir dans les paysages et les choses des formes humaines, imaginer des monstres mélancoliques et des guerrières amoureuses.
Sa démarche emprunte au carnaval et au cirque, deux formes dont on oublie souvent la capacité de subversion et qui ont fait de l’outrance et du kitsch des puissances agissantes. Dans la tradition carnavalesque, le monde est provisoirement renversé : le grotesque y détrône le sublime, les hiérarchies sont dissoutes dans le rire et l’excès. Le cirque prolonge cette logique en mettant en scène des corps et des créatures qui échappent à l’ordre ordinaire des choses. Héloïse Farago s’empare de cet héritage. Et il ne faut pas se fier à l’apparente immédiateté de ces formes. Très vite, quelque chose s’ajoute à notre joie de spectatrice, on se pose des questions : que fuient ces chevaux, qui sont ces femmes dessinées, où sont les hommes dans ces légendes ?
Influencée par les arts naïfs et les arts ménagers, Héloïse Farago s’intéresse aux formes méprisées, aux gestes marginaux. À rebours du canon de l’histoire de l’art, qui cherche des grandes figures pour établir un récit linéaire et qui a construit sa légitimité sur l’exclusion systématique de certaines pratiques, elle réhabilite des gestes dits mineurs, regarde les productions d’amateur·ices éclairées et défait les hiérarchies. L’artiste dessine, peint avec des émaux, modèle et coud, utilise des perles ou des rubans, et prend des napperons en papier dentelé comme support. Le choix des matériaux constitue un acte de positionnement dans le champ de l’art, une façon de déplacer les frontières de ce qui est jugé digne d’être montré et regardé.
Chacune de ses pièces a des allures de saynète et semble raconter une histoire que nous devons reconstituer. La narrativité y est toujours elliptique ; elle ne livre pas un récit mais ses restes, ses indices, ses marges. A nous d’inventer ce qui manque, de nous emparer de ces personnages qui tissent ensemble une fable loufoque. Ce travail agit comme le Cheval de Troie décrit par l’écrivaine Monique Wittig, il « fonctionne comme une mine, quelle que soit sa lenteur initiale. Il sape et fait sauter la terre où il a été planté. » En effet, il nous faut du temps pour comprendre qu’autre chose se trame dans ces dessins et ces céramiques et que derrière ces formes en apparence inoffensives se cache une charge critique. Héloïse Farago ne dénonce pas, elle déplace. Elle rend les hiérarchies ridicules, les dissout dans la couleur, la tendresse et l’étrangeté. Et c’est peut-être là sa force la plus singulière : avoir compris que le meilleur endroit pour cacher une arme, c’est peut-être l’intérieur d’un jouet.
— Hélène Giannecchini
☆ Text written by art critic Ana Mendoza Aldana for the Biennale de la Jeune Création at the Graineterie Art Center, Houilles, september 2024
Using colored pencil drawings on paper kitchen placemats, watercolors and enamel paintings on earthenware, Héloïse Farago creates a contemporary feminist and lesbian iconography inspired, among other things, by the medieval world and fairy tales. Female Quixotes, knights, monsters, noble ladies or heroic commoners are the protagonists of a work that also unfolds in audiovisual, textile and sculptural forms, and features a colorful do-it-yourself aesthetic and Camp made with simple means.
The figures and scenes depicted by the artist are not only the work of fiction - that of Monique Wittig (*1) or that familiar from the tales and novels of our childhood. Farago's visual constellation also includes historical figures with whimsical, nonconformist lives. We meet Marguerite de Beverly, a young English plebeian from the 11th century, who set off on a crusade to Jerusalem. Driven by unfailing courage, she leads the battles unarmored, with a saucepan for a helmet.
In the video Love Story (2023), five characters in a faraway land reminiscent of medieval Europe set out on a mission to oust the patriarchy. This group of adelphs seems to embody different aspects of joyful feminist activism: offense and defense, camaraderie, reconciliation, the obvious inclusion of the struggle of trans people, and love. The artist's costumes have the assumed beauty of outfits made for a play or an amateur drag show. The comic tone and sometimes the acting allow us to humorously offer brave new heroines.
Héloïse Farago's musical compositions, performed live by her alter ego TroubaDure, blend 17th- and 18th-century song lyrics (Que ne suis-je la fougère, J'ai cru qu'en vous aymant) with rap or electroclash tracks (Jul or Sexy Sushi). The lyrics, rewritten to convey less gendered stories, share the rhythm of our contemporary music. Supported by TroubaDure, like Quixote and his Panza (*2) , Héloïse Farago takes up the blissful quest to create new narrative spaces illuminated by a past that never was, but that we would have wished was. The artist's interest in the Middle Ages stems from the fact that figures considered marginal today were to be included in a society that was less concerned with efficiency and productivity at all costs.
Beneath a seemingly naïve aesthetic, a real Trojan horse, the artist gives substance to true or fantasized narratives, which challenge the injunctions of sex or gender. The artist's "zany utopias" crystallize and reverse a long invisibilization of the history of women and the oppressed. Farago follows Wittigu's dictum: "In a world where we exist only in silence [...] at a time when heroes have gone out of fashion, we must become heroic in reality, epic in books. (*3)"
(*1) Monique Wittig wrote The Endless Journey, an epic feminizing Cervantes' Quixote, which may have inspired Héloïse Farago's practice.
(*2) Ibid.
(*3) Monique Wittig, Foreword, The Passion of Djuna Barnes, Paris Ypsilon Publisher, 2015.
Ana Mendoza Aldana
☆ Texte écrit par la critique d'art Ana Mendoza Aldana dans le cadre de la Biennale de la Jeune Création au centre d'art La Graineterie, Houilles, septembre 2024
À travers des dessins aux crayons de couleurs sur napperons de cuisine en papier, des aquarelles et des peintures d’émail sur faïence, Héloïse Farago construit une iconographie contemporaine féministe et lesbienne inspirée, entre autres, de l’univers médiéval et des contes. Quichottes, chevaleresses, monstresses, dames nobles ou roturières héroïques, sont les protagonistes d’une œuvre qui se déploie également sous forme audiovisuelle, textile et sculpturale, et qui privilégie une esthétique do it yourself colorée et Camp faite avec des moyens simples.
Les figures ou scènes dépeintes par l’artiste ne sont pas uniquement le fruit de la fiction - celle de Monique Wittig (*1) ou celle familière des contes et romans de notre enfance. Dans la constellation visuelle de Farago s’inscrivent aussi des figures historiques aux vies fantasques et non-conformistes. On croise ainsi Marguerite de Beverly, une jeune anglaise plébéienne du XI e siècle partie en croisade à Jérusalem. Mue par un courage sans faille, celle-ci mène les batailles dénuées d’armure avec une casserole pour heaume.
Dans la vidéo Love Story (2023), cinq personnages dans une contrée lointaine rappelant l’Europe médiévale, se donnent pour mission de chasser le patriarcat. Ce groupe d’adelphes semble incarner différents aspects possibles d’un militantisme féministe joyeux : l’offensive et la défense, la camaraderie, la réconciliation, l’inclusion évidente de la lutte des personnes trans, et l’amour. Les costumes fabriqués par l’artiste ont la beauté assumée de tenues réalisées pour une pièce de théâtre ou pour un drag show amateur. Le ton comique de la narration et parfois le jeu des acteur·rices permettent de proposer avec humour de braves nouveaux·lles héro·ïnes.
Les compositions musicales d’Héloïse Farago, performées en live par son alter ego TroubaDure, mêlent les paroles de chansons du XVIIe ou du XVIIIe siècle (Que ne suis-je la fougère, J’ai cru qu’en vous aymant) avec des morceaux de rap ou electroclash (Jul ou Sexy Sushi). Les paroles, réécrites pour véhiculer des histoires moins genrées, partagent le rythme de notre musique contemporaine.
Épaulée par TroubaDure, comme Quichotte et sa Panza (*2), à Héloïse Farago revient la quête bienheureuse et la création de nouveaux espaces narratifs illuminés par un passé qui n’a pas été mais qu’on aurait aimé qu’il soit. Si l’artiste s’intéresse au Moyen-Âge, c’est que les figures considérées aujourd’hui comme marginales avaient pourtant leur place dans une société qui visait moins l’efficacité et la productivité à tout prix.
Sous une esthétique en apparence naïve, véritable cheval de Troie, l’artiste donne corps à des récits vrais ou fantasmés, qui remettent en question les injonctions de sexe ou de genre. Les "utopies loufoques" d’Héloïse Farago cristallisent et renversent une longue invisibilisation de l’Histoire des femmes et des opprimé·es. Elle suit ainsi la consigne wittigienne : "Il nous faut dans un monde où nous n’existons que passées sous silence [...] à l’époque où les héros sont passés de mode, devenir héroïques dans la réalité, épiques dans les livres (*3)."
(*1) Monique Wittig a écrit Le voyage sans fin, épopée féminisant le Quichotte de Cervantès, qui a pu inspirer la pratique d’Héloïse Farago.
(*2) Ibid. (*3) Monique Wittig, préface à La Passion de Djuna Barnes, Paris, Ypsilon Publisher, 2015.
Ana Mendoza Aldana
☆ Texte écrit par la commissaire d'exposition indépendante Valentina Ulisse dans le cadre du cycle d'expositions hors-les-murs du CAC Brétigny,
Chapitre 1er : "Tout est dans le panache", Installation d’Héloïse Farago au Salon d’art de Marolles-en-Hurepoix, octobre 2023
Le cycle d’expositions et de résidences artistiques "Les conjugueuls" se déroule comme un récit aux chronologies désarticulées, entre science-fiction, fantasy et réalisme magique. Ici, le passé est raconté différemment-faisant intervenir la fiction là où le réel fait défaut-, le présent s’ouvre sur d’infinis univers parallèles et l’avenir est fait de résurgences et de nouveaux débuts.
Pour le premier chapitre de cette histoire, l’artiste Héloïse Farago invite les visiteur·euses à partir en voyage dans un monde fabuleux avec son film Love Story. Celui-ci commence avec un livre qui s’ouvre, à l’instar des long-métrages Disney. Ici aussi il y un château et une forêt enchantée, mais, dans cette nouvelle histoire d’amour, aucune trace du prince charmant. La fable narre une quête inédite: la lutte contre le "patriarcat", un système social qui se fonde sur la différenciation entre le masculin et le féminin justifiant la domination des hommes et l'oppression des femmes et des minorités. Un autre royaume est ici exploré, où l'on peut vivre heureux·se en étant soi-même. L’artiste y apparaît sous les traits de la conteuse d’histoires TroubaDure et les figures rencontrées dans son épopée sont jouées par son entourage.
Pour ce film doux et drolatique, Héloïse Farago s’inspire du Voyage sans fin, (1985) de Monique Wittig, réécriture lesbienne et féministe de Don Quichotte (1605-1615), le célèbre roman de Miguel de Cervantès. Dans le récit de Wittig, la Quichotte, chevalière errante, lutte contre des moulins-patriarcats et part avec Panza, sa fidèle écuyère, à la recherche de son amoureuse et d’un monde meilleur. "Tout est dans le panache", écrit Wittig en se référant au caractère fière et burlesque de ses paladines. On retrouve cette allure joyeuse et militante dans les personnages qu’Héloïse Farago met en scène à travers la vidéo. Leurs costumes s’inspirent tant des contes enfantins que des Drag Shows. Pour détrôner les codes imposés par notre société et déjouer les catégories liées au genre, l’artiste a recours à l’esthétique camp-un style anti-sérieux et théâtral marqué par l’exagération et l’humour espiègle.
Les personnages du film reviennent dans ses dessins et ses peintures qui ornent dentelles en papier pour gâteaux, céramiques, boules et cœurs de décoration en plastique. Pirates, dames et chevalières côtoient chimères, créatures magiques et icônes d’enfance comme la rebelle Fifi Brindacier. Les histoires de ces héroïnes-qui ont réellement existé, ou sont issues de romans et d’œuvres d’art-se lisent sur les murs de cette installation que l’artiste recouvre d’un tissu bavarois, à la façon d’une nappe de cuisine ou d’un papier peint. Cet environnement domestique accueille et berce son "utopie loufoque" mi réelle mi inventée : un récit nouveau destiné à toutes les générations.
Valentina Ulisse
☆ Text written by curator Valentina Ulisse for the Cycle of exhibitions from CAC Brétigny,
Chapter 1 : "It’s all about the panache",
Installation by Héloïse Farago at the Art Salon of Marolles-en-Hurepoix, october 2023
The cycle of artistic exhibitions and residencies entitled "Les conjugueuls" unfolds like a story with disjointed timelines, somewhere between science fiction, fantasy and magic realism. Here, the past is recounted differently. Bringing in fiction where reality is found lacking, the present opens up to infinite parallel universes and the future is made of resurgences and new beginnings.
For the first chapter of this tale, the artist Héloïse Farago invites visitors on a journey into a fantastic world with her film Love Story. Like a Disney film, it begins with a book that opens. It too has a castle and an enchanted forest, but, in this new love story, there is no prince charming to be found. It tells the story of an unusual quest: the fight against the “patriarchy”, a social system founded on the distinction between masculine and feminine in order to justify the domination of men and the oppression of women and minorities. Here, an alternative kingdom is explored, one where you can live happily ever after as yourself. There, the artist appears in the guise of the storyteller TroubaDURE and the characters we meet in her epic are played by people close to her.
For this gentle, humorous film, Héloïse Farago drew inspiration from Monique Wittig’s 1985 Voyage sans fin (endless journey), a lesbian and feminist retelling of Miguel de Cervantès’ famous novel Don Quixote (1605-1615). In Wittig’s story, the knight-errant Quixote fights patriarch-windmills and sets off with Panza, her loyal horsewoman in search of her girlfriend and a better world. "It’s all about the panache", Wittig wrote in reference to the proud and comic nature of her female paladins. We also find this joyful and militant style in the characters Héloïse Farago portrays in her video. The costumes are inspired by children’s stories and drag shows alike. In order to dethrone the codes imposed by our society and elude categories related to gender, the artist makes use of the camp aesthetic-an anti-serious and theatrical style characterised by exaggeration and a mischievous sense of humour.
The characters from the film can also be found in her drawings and paintings, which adorn paper lace for cakes, ceramics, decorative plastic balls and hearts. Pirates, ladies and knights rub shoulders with chimeras, magical creatures and childhood icons like the rebellious Pippi Longstocking. The stories of these heroines— whether drawn from real life or books and works of art-can be read on the walls of this installation, which the artist covers with Bavarian fabric, like a kitchen tablecloth or wallpaper. This domestic environment receives and cradles her half-real, half-invented "wacky utopia" : a new tale for all generations.
Valentina Ulisse
